Беседа с Фионой Пардингтон (Девонпорт, 1961) — это погружение в художественную практику, где точность, память и символическая глубина сливаются воедино, избегая при этом поверхностных эффектов. Манера ее общения открыта и доверительна, но за ней стоит многолетний, тщательно выстроенный творческий поиск, объединяющий фотографию, культуру маори, естественную историю и духовность. Проект, с которым художница представляет Новую Зеландию на Биеннале Искусства 2026, является воплощением этого равновесия: строгий подход, превращающий образ в диалог, воспоминание и свидетельство. На Биеннале работы Фионы Пардингтон — это не громкое национальное заявление, а скорее приглашение к новому пониманию образа: более медленному, многослойному, близкому к темам утраты, памяти и преображения. В этом контексте Павильон Новой Зеландии приобретает особую значимость. Он не стремится к мгновенному впечатлению, а предлагает глубокое переживание, в котором естественная история, культура маори и колониальная память вступают в сложное взаимодействие. Именно здесь раскрывается уникальная сила творчества Пардингтон.
Интервью с художницей Фионой Пардингтон
Как вы получили приглашение на Биеннале?
Это стало для меня полной неожиданностью. Раньше Новая Зеландия иногда просила художников подавать заявки, но в этот раз, после перерыва в участии в Венецианской биеннале, была выбрана иная модель отбора, разработанная совместно с галереей-партнером и Художественной галереей Крайстчерча. Они видели мою предыдущую выставку «Te taha o te rangi», что на языке маори означает «горизонт» или «край неба». Этот проект был тесно связан с музейной культурой Новой Зеландии, областью, в которую моя работа часто проникает, затрагивая даже ее менее заметные аспекты. Увидев эту выставку, которая затем была представлена также в Окленде и Австралии, они решили сотрудничать со мной. Я просто была дома, выгуливала собаку, вернулась и получила звонок от своего галериста. Я действительно этого не ожидала.
Какие впечатления ожидают посетителей в павильоне Новой Зеландии в Венеции?
Надеюсь, что публика сможет пережить почти что духовный опыт. Там будут звук и очень обволакивающее, почти утробное пространство. Изображенные птицы будут словно появляться из стен, как видения. Это не просто птицы: это посланники, переходные сущности, способные как передавать что-то, так и принимать. Моя работа глубоко укоренена в культуре племени Нгаи Таху, но также затрагивает темы экологии и вымирания. Я занимаюсь этими вопросами десятилетиями, задолго до того, как они стали центральными в мире искусства. Надеюсь, что зрители воспримут красоту, духовность, скорбь и взаимосвязь между разными мирами.
Одной из центральных тем проекта является такахе. Какова история этого экземпляра?
Эта птица была убита в 1851 году в Фьордленде и доставлена в Британский музей, где была чучелом. Кем бы ни был таксидермист, он проделал выдающуюся работу, особенно учитывая, что никогда раньше не видел такахе. Это был всего лишь второй когда-либо собранный экземпляр. Это молодая особь, и спустя более века она вернулась в Новую Зеландию. Сегодня она находится в музее Те Папа. Фотографировать ее было необыкновенным опытом. У нее было очень сильное присутствие, настоящая харизма. Долгое время считалось, что такахе вымерли, пока их не заново открыли в Фьордленде в сороковых годах, и сегодня популяция вида снова растет. Цвета на моей фотографии не совпадают точно с теми, как этот экземпляр выглядит сейчас. Я переработала их, изучая живых птиц, чтобы хотя бы частично вернуть ту хроматическую живость, которую время стремится стереть, потому что после многих десятилетий музейные экземпляры становятся сухими, пыльными, обедненными. Я могу добавить перья, смягчить их визуальное присутствие, восстановить глаза. Для меня, однако, это не просто вид. Я фотографирую индивидуума, почти личность, и в сущности, его историю тоже.
Павильон Новой Зеландии на Венецианской биеннале 2026
Проект также включает сильный церемониальный и звуковой компонент, связанный с культурой маори. Насколько это важно для вас?
Чрезвычайно важно. Мои родственники-маори приехали в Венецию. Моя кузина Хана О'Риган написала для книги и специально для проекта создала «каракиа» и «ваиата» — ритуальные призывы и традиционные песни. Мы также записали музыкальные инструменты маори, которые являются неотъемлемой частью звукового оформления выставки. Кроме того, мы запланировали перформансы, пение и реальное церемониальное присутствие. Для меня это очень трогательный аспект: когда я слышу пение, меня всегда это глубоко волнует. В нашей культуре то, как мы принимаем гостей, имеет глубокое значение. Поэтому церемониальная часть не второстепенна: это существенная составляющая проекта.
Как итальянца, меня поразила отсылка к Данте и Южному полушарию. Как это возникло?
Два человека сыграли особенно важную роль в развитии этого аспекта работы. Один — мой брат, который помог мне работать с цветом. Другой — мой друг Эндрю Пол Вуд, который пишет о моем творчестве уже много лет. Нас очаровал «Чистилище» Данте, особенно Песнь I, где он описывает небо Южного полушария и те четыре звезды, невидимые с севера. Для нас, в Аотеароа, этот отрывок неизбежно вызывает ассоциации с Южным Крестом. Эндрю написал для книги эссе, посвященное этой теме. Нас также интересовали рисунки Уильяма Блейка, изображающие это созвездие. Все это начало переплетаться. Для меня Данте — фигура, к которой я испытываю глубокое уважение. Я приезжаю в Италию, в Венецию, как гостья, и хотела отдать ему дань уважения. Это был способ сказать итальянцам: я вхожу в ваш мир с восхищением и приношу с собой своих птиц, тоже как гостей. В культуре маори «манухири», то есть гости, имеют глубокое значение. Отсылка к Данте для меня стала способом почтить эти отношения.
Вы называете себя фотографом, но в вашей работе явно присутствует более широкое художественное измерение. Как вы воспринимаете свою позицию в контексте Новой Зеландии сегодня?
Я фотограф, но я также и художница. Когда я училась в восьмидесятых годах, решение быть фотографом и одновременно художником было почти равносильно подписанию себе смертного приговора. В художественной школе тех, кто работал с фотографией, часто воспринимали как несостоявшихся живописцев или скульпторов. Нам, по сути, не разрешали называть себя художниками. Однако у меня был доступ к потрясающей библиотеке, полной великолепных книг по фотографии, и я любила как историю фотографии, так и живопись. Я всегда чувствовала, что фотография станет чем-то иным, чем она была тогда в Новой Зеландии. Я сформировалась как аналоговый фотограф, и там лежат мои профессиональные корни, но концептуально я мыслю как художница. Моя работа рождается из глубокого исследования и сложного материала. Так что да, я абсолютно считаю себя художницей, работающей с помощью фотографии.
Антонино Ла Вела